摘要：但他摔下来的姿态，一次和一次，总得有点不一样。 第一次是惊愕，第二次是不甘，第三次或许只剩麻木的认命。 这些细微的差别，藏在那些翻滚和尘埃里。

春节档的票房榜，从来不是给新人准备的。

你得有足够响亮的招牌，或者足够多的熟脸。

沈腾和他的《飞驰人生3》，这两样都占全了。

观众等这部电影，等得有点久了。

久到市场已经为它腾好了位置。

这不是预测，这是摆在明面上的事实。

张艺谋的新片《惊蛰无声》上映了。

主演是易烊千玺和朱一龙。

这片子有点不一样。

它没有走那种大开大合的路子，反而把劲儿都收在里面。镜头很静，静得能听见角色呼吸里的犹豫。易烊千玺演的那个年轻人，脸上总挂着一种没睡醒的茫然，可眼神底下又压着东西。朱一龙则完全相反，他每个动作都像是计算过的，连整理袖口都带着目的。这种对比不是摆出来给你看的，是慢慢渗出来的。

你得仔细看，才能品出味道。

张艺谋这次好像不太急着讲故事。或者说，故事被拆成了很多碎片，藏在光影和沉默的间隙里。有一段戏，是易烊千玺在长长的巷子里走，摄影机就跟在他身后几步远的地方。没有配乐，只有脚步声和远处隐约的市声。那几分钟里什么都没发生，又好像什么都发生了。这种处理方式需要观众更多的耐心。当然，也可能有人会觉得闷。

但我觉得，这是一种冒险。

它放弃了某些更直接的戏剧冲突，转而挖掘人物内心更细微的褶皱。这需要导演对节奏有绝对的自信，也需要演员能撑住那种近乎凝固的瞬间。易烊千玺和朱一龙，至少在这部电影里，接住了这个挑战。他们没在“演”情绪，他们只是在那个情境里“存在”。这种表演上的克制，和影片整体的冷峻调子是咬合的。

电影最后也没给出一个明确的答案。

它就像片名里的“惊蛰”，雷声在地下滚过，但地面上可能只是落下几滴雨。一切变化都在无声处酝酿。这或许会让习惯了明确结局的观众感到些许困惑。但困惑本身，有时就是电影想留给你的东西。张艺谋到了这个阶段，似乎更愿意去触碰一些不确定的、模糊的地带。这比重复自己过去的成功公式，要有意思得多。

《惊蛰无声》不是那种会让你热血沸腾的电影。

它更像一杯需要慢慢啜饮的茶，初尝平淡，回味才有层次。在这个追求强刺激的时代，这种创作姿态本身，就值得被看到。

《熊出没·年年有熊》的票房数字摆在那里，没人能装作看不见。

它已经成了春节档的一种固定景观，像年夜饭桌上那道必定会出现的菜。

你可以批评它套路，但无法否认它的精准。

制作方很清楚观众要什么，他们提供的就是那个东西，不多也不少。

这种稳定感本身，在变化太快的环境里，反而成了一种稀缺资源。

片子里的光头强这次好像没那么倒霉了。

他依然在森林里折腾，但结局总归是温暖的。

有人说这是创作上的妥协，我倒觉得，这可能是一种更清醒的认识。

大过年的，没人真想看一个彻头彻尾的悲剧。

熊大熊二的互动还是老样子。

一个负责莽撞，一个负责兜底。

这种关系模式看了十年，观众早就习惯了，甚至有点依赖。

依赖的不是新鲜感，是那种不会出错的熟悉。

电影技术当然进步了。

雪景的质感，动物毛发的渲染，这些硬指标每年都在往上走。

可故事的内核，你仔细想想，其实变动很小。

它不追求让你震撼，它追求让你舒服。

这或许就是它成功的全部秘密。

带孩子去看的家长，自己往往也能看进去。

不是因为它有多深刻，而是因为它不设门槛。

你不需要任何前置知识，不需要理解复杂的背景。

走进去，坐下来，画面和声音自然会把你包裹住。

这是一种纯粹的消费体验。

价值层面的讨论这几年一直没停过。

有人认为它过于简单，缺乏教育意义。

我的看法可能不太一样。

它提供的是一种基础的情绪保障，一种安全的欢乐。

在当下，能把这件事做到极致，并且年年做到，本身就是一种能力。

它没有试图去解决深刻的社会命题。

它只是守住了合家欢的底线，并且守得很牢。

这就够了。

对一部定位如此清晰的电影，要求它承载更多，可能本身就是一种错位。

市场用票房投了票。

一年又一年。

它成了春节档的计量单位之一，用来衡量其他影片的商业成败。

这个位置，不是靠运气坐上去的。

是无数次对市场脉搏的准确触摸。

你甚至能感觉到创作上的某种疲倦。

不是敷衍的那种疲倦，是重复劳作后的熟练，以及熟练背后必然存在的惯性。

但观众似乎并不介意这种惯性。

他们走进影院，看到预料之中的光头强和预料之中的熊，然后带着预料之中的满足感离开。

整个过程严丝合缝。

这是一种工业级的情绪交付。

你很难用艺术电影的标准去评判它。

它活在另一个评价体系里，那个体系的核心指标是家庭观众的满意度，以及票房数字的稳定性。

在这两个指标上，它几乎没失过手。

所以讨论它是否“进步”了，可能是个伪命题。

它不需要进步，它需要的是维持。

维持那种恰到好处的热闹，维持那种低风险的快乐。

它做到了。

而且看样子，还会继续做下去。

只要春节还在，只要家庭观影的需求还在。

它就会在那里。

像一种文化意义上的节气，到了点，自然会来。

成龙和熊猫的组合，现在看，吸引力有点不够用了。

这个判断放在几年前没人会信。

市场就是这么具体，它不跟你谈情怀，它只看当下的反应。你拿出来的东西，观众买不买账，数据会说话，票房会说话，讨论度也会说话。一个曾经屡试不爽的公式，效力总会随着时间衰减，这几乎是必然的。

不是大哥不努力，也不是熊猫不可爱。

只是观众的口味，或者说，他们被满足的阈值，一直在往上走。你重复自己，哪怕是用黄金配方重复自己，次数多了，惊喜感也就磨平了。大家见过更好的，或者只是见过不同的，回头再看旧风景，感觉自然就淡了。

这其实是个挺健康的信号。

说明可供选择的内容多了，观众的眼光也刁了。这对创作者是压力，也是动力，逼着大家不能躺在过去的功劳簿上，得琢磨点新东西。文化消费市场的迭代，大体就是这么推着往前走的。

当然，这话说得有点绝对。

我的意思是，单靠这两个元素就想撑起一片天，难度比以前大得多。它们依然是重要的组成部分，但可能不再是那张决定性的王牌了。你得往里面加更多料，或者，换一个更让人意想不到的烹调方式。

时代在往前走，所有的金字招牌，都得经历这个重新被审视的过程。

那部电影在拥挤的档期里活了下来。

活下来，并且被记住了。这比赢下什么头衔更实际。

《镖人：风起大漠》。

它像个缝合怪，但缝得挺结实。你从它身上能看到很多成功商业片的影子，那些被验证过的元素，被它不客气地拿来，然后用自己的针脚重新走了一遍线。这不是贬义，能把别人的长处消化成自己的骨肉，需要本事。

本事或许来自它的底子。那个漫画原作，在日本媒体那里有个挺唬人的名头，“世界级精品”。日本人对漫画的评价体系和我们不太一样，他们用这个词的时候，通常意味着某种硬核的、工业标准之上的东西。不是客气话。

袁和平这个名字，总得和《功夫》或者《一代宗师》绑在一块儿提。

不然好像就少了点分量。

他干武指这行当的年头，比很多观众的年岁都长。

你去看他设计的动作，里头有种老派的讲究，一招一式都带着筋骨。

那不是电脑特效能堆出来的东西。

有时候我觉得，他的镜头比很多台词都更能讲清楚江湖是怎么回事。

吴京和李连杰的名字，已经长在观众骨头里了。

谢霆锋那种从骨子里透出来的狠劲，也不是演出来的。

演技这东西，到了他们这个份上，早就不是需要讨论的问题了。

现在的情况是，于适、陈丽君、刘耀文这批人开始往台前站。

他们被看见的速度，比很多人预想的要快。

关注度这东西，来得快去得也快，但至少眼下是给到了。

把这两拨人放在一起看，结果其实没什么悬念。

或者说，悬念本身就不存在。

电影散场，灯光亮起，脑子里挥之不去的，不是那些明面上的角色。

真正扎进记忆里的，是那个从未以真面目示人的影子，知世郎。

他的脸藏在暗处，声音却无处不在。

这种处理方式很聪明，用缺席来构筑存在。

你看不见他，但你时刻能感觉到他布下的网。

这比一张具体的脸，要让人琢磨得更久。

《镖人》从立项那天起，海报上就印着动作巨制四个字。

剧组里随便抓个人，都能给你比划两下子。

老镖师的手稳得吓人，年轻趟子手的腿脚快得像阵风。

但世郎站在那儿，像个走错片场的会计。

他手里那把刀，拎着的时候总让人觉得下一秒会脱手。

这个例外太扎眼了。

知世郎的战斗力，大概是这部片子里最弱的那一档。

但背景恰恰相反。

他是天字第一号的通缉犯，花颜团的头儿，脑袋值十万钱。

这名字本身就像个信号，只要传出去，追兵立刻就会从四面八方围过来。

不是那种有来有回的围剿。

是那种一旦开始就停不下来的，直到一方彻底消失才算完的追逐。

命运的齿轮，大概是从这里开始咬合的。

他遇见了吴京演的那个刀马。

一个需要被护送的孩子，一群各怀心思的成年人，目的地是长安。

这趟旅途本身，就是故事了。

你很难说清是谁在护送谁。

表面上是刀马护着他，可某种意义上，这个孩子才是那根串起所有人的线。

长安很远。

远到足以让所有藏在心底的东西，都慢慢浮出来。

信任，算计，还有那些说不清道不明的目的。

路就这么走着，戏也就这么唱开了。

知世郎出场的时候，脸上糊满了油彩。

布衣很旧，颜色也褪得差不多了。

那张脸根本没法看，五官全给盖住了。

你盯着看十分钟也猜不出是谁。

这大概就是彻底消失在角色里。

演员把自己摘出去了。

声音出来的瞬间，很多人就认出来了。

是吕小布。

那个在情景喜剧里留下名字的角色，隔了这些年，还是能让人立刻对上号。演员和角色之间，有时候就是这么一种牢固的绑定关系。你很难说清这到底是幸运还是别的什么。观众的记忆点很具体，具体到一句台词，一个语调。

他一张口，那个熟悉的调子就回来了。

好像中间这些年的时间，被某种东西给抹平了。这种瞬间的识别，几乎成了一种条件反射。影视作品留下的印记，比我们想象的要深得多。它潜伏在某个角落，等待一个特定的声音或者画面来激活。

然后你会觉得，哦，是他。

这种感受挺微妙的。谈不上多深刻，但足够准确。准确到不需要任何额外的解释和说明。角色成了演员身上一个擦不掉的标签，或者说，一个快捷的识别码。观众凭借这个码，迅速完成了从陌生到熟悉的切换。

事情就是这么简单。

简单到甚至有点残酷。你后来演过很多别的，尝试过不同的方向，但大多数人记住的，可能还是最初的那个样子。这大概就是创作的某种宿命感。你创造了一个足够鲜明的形象，然后这个形象，某种程度上，也反过来定义了你。

至少在公众的视野里，是这样。

声音是一种很奇特的媒介。它比样貌更抽象，但也更直接。它绕过理性的判断，直接抵达记忆的深处。所以当那个特定的频率和节奏再次出现时，所有的关联场景都会自动浮现。这不是怀旧，这是一种生理性的熟悉。

吕小布的声音，就成了这样一个开关。

按下去，灯就亮了。亮起来的是很多年前的某个客厅，某块屏幕，和屏幕前笑过的那段时间。演员的工作，有一部分就是制造这种开关。至于这个开关能管用多少年，没人知道。现在看来，这个开关的保质期，比预想的要长。

长得有点出乎意料。

我后来想，可能不是演员定格在了角色里，而是我们这些看客，把某一段自己的时光，悄悄存放在了那个角色身上。角色成了一个时间的容器。我们听到那个声音，打开容器，瞥见的其实是自己的过去。演员只是恰好，保管了这把钥匙。

保管得还不错。

钥匙没生锈，锁孔也没堵住。一拧，还是能开。这在今天，算是一件挺难得的事了。很多东西都在变，变得很快，快到你来不及记住上一个样子。能留下一个清晰不变的声音坐标，某种程度上，是一种安慰。

哪怕这个坐标，只是一个虚构角色的名字。

名字叫吕小布。

演戏这件事，说到底是为了在别人的记忆里留下点什么。

孙艺洲的情况有点特别。

他参演了一部场面很大的制作，但你在成片里找不到他的脸。

这事儿甚至让李连杰在片场都注意到了。

李连杰当时觉得，这兄弟有点可惜，戏都拍完了，还没人弄清楚他到底演了谁。

不是说他没演，而是他演的那个角色，最终没以他的形象出现。

这大概是一种很独特的职业体验。

你完成了所有工作，但成果和你本人彻底剥离了。

像是一份没有署名的作品。

观众记得那个角色，记得那段情节，但不会记得孙艺洲这个名字和那张脸曾经与之关联。

这种彻底的“隐身”，在追求曝光度的行业里，反而成了一种罕见的样本。

它模糊了演员和替身、和特效、和幕后工作人员的某种界限。

你提供了表演，但表演不属于你。

李连杰那句“可惜”，或许是从一个传统演员的角度出发的直觉反应。

演员的肉身在场，是表演艺术最原始的契约。

但现在这个契约的形态正在变得复杂。

数字技术能轻易地把一个人的表演移植到另一张脸上，或者创造出一张全新的脸。

孙艺洲这次遇到的情况，可能只是这种趋势下一个比较极端的例子。

他的表演被用了，但用在了哪里，怎么用的，成了一个需要被解释的谜题。

这听起来有点超现实。

你明明做了一件事，这件事却仿佛没有发生。

或者说，它以另一种无法指认的方式发生了。

这让我想起一些老电影里，那些因为各种原因被剪得只剩背影或者侧影的演员。

但孙艺洲这次连背影和侧影都没留下。

他留下的是某种更抽象的东西，一段被编码后融入其他形象的动作数据或者情绪底色。

这算不算一种表演的异化呢。

不好说。

行业在变，定义也在变。

唯一确定的是，他确实演了，也确实没人能在银幕上指认出他。

这种矛盾本身，就构成了这件事的全部意味。

孙艺洲听完就笑了，那种笑里没什么波澜。

他知道要演这个角色，心里觉得，好像也就那么回事。

他自己被人记住，这事没那么要紧。

他在意的是别的东西。

他更愿意这个角色本身，能在别人那儿留下点痕迹。

孙艺洲演知世郎这件事，很多人没看明白难度在哪。

那张脸被遮得严严实实，一点表情都露不出来。

他只剩声音和身体能用。

刚出场那会儿，这角色就是个混不吝的调调，浑身透着不靠谱的滑稽感。

说话声音又脆又飘，调门高，词儿往外蹦得轻快，肢体动作也松垮垮的，没个站相。

这种演法，其实比真刀真枪打一架还费劲。

你得让观众相信面具后面有张活生生的脸，有情绪在流动。

声音的每一处起伏，肩膀的每一次晃动，甚至手指头无意识的蜷缩，都成了泄露内心戏的窗口。

我后来琢磨，这有点像隔着毛玻璃看人跳舞。

轮廓和劲头都在，具体眉眼是模糊的，但恰恰是这种模糊，逼着你调动全部注意力去捕捉那些细微的颤动。

孙艺洲得先忘掉自己习惯的表演路径。

脸上那套功夫全废了。

他必须把所有的情绪反应，都压缩到声带和关节的运动里，让台词不再是台词，让动作不再是动作，它们得变成一种综合的、直接的信号。

这活儿不好干。

稍微过一点，就显得浮夸做作，像故意搞怪，欠一点呢，又可能彻底变成个背景板，立不住。

他得卡在中间那条窄缝里。

现在回头看那些片段，咭咭哒哒的说话节奏，那种满不在乎的肢体语言，其实都经过算计。

是设计过的随意。

这种随意本身，就是角色最核心的铠甲，也是演员交给观众的唯一钥匙。

那段关于必须坐马车的坚持，几乎成了一个标志性的画面。

他蹦跳着，嘴巴张得很大，喊声毫无顾忌地抛出来。

周围的人都笑了，那种笑是绷不住的，很直接。

你很难说清楚这具体好笑在哪里。

可能就是那种全然的投入，和现实场景产生了某种错位。

这种错位感，往往比精心设计的桥段更有力量。

故事走到后半程，他原本的模样才一点点透出来。

花颜团里人人都喊他一声大哥，这份尊敬不是假的。

就算在关卡被认出来，等着你的也不是什么厮杀场面。

守关的将领直接跪下了，跪得干脆，脸上找不出半点虚情假意。

那场面比动刀动枪更让人心里发毛。

你突然就明白了什么叫不战而屈人之兵。

他开口说话，声音沉得很，每个字都像是掂量过才放出来。

坐在那儿，手脚摆放得规规矩矩。

你盯着看，也找不出从前一丝一毫的影子了。

那句台词从银幕里飘出来，苍生所盼，无非这烟火人间呐。

我坐在那儿，感觉心口被什么东西轻轻撞了一下。

不是那种剧烈的震撼，更像远处传来的鼓声，闷闷的，持续地敲。

它太具体了，具体到仿佛能看见灶台上升起的蒸汽，巷口昏黄的灯。

可又那么辽阔，辽阔得装得下所有寻常日子里的盼头。

这句话没什么复杂的修辞，就是平铺直叙。

但你把每个字拆开看，里面全是脚印，是温度，是活着本身的重量。

它不讨论宏大的命题，只陈述一个事实。

或许最打鼓的地方就在这里，它让你突然看清了自己每日奔忙的那个底色。

所谓人间，不就是这些么。

知世郎在故事里算不上主角。

但他撑起了整部戏的魂。

孙艺洲这次没演砸。

他把那股子藏在平静底下的劲儿，给稳稳地端了出来。你看他念台词，语气没什么起伏，可每个字落在地上都有回音。这种演法很冒险，稍微过一点就显得故作深沉，收一点又没了存在感。孙艺洲卡在那个缝里，正好。

我记得有个镜头，是他站在人群后面，脸上什么表情都没有。

可你就是觉得，他什么都看见了。

这种演员和角色之间的默契，不是靠台词量堆出来的。有时候，一个角色能立住，恰恰是因为他话不多。他把空间留给了别人，自己却成了所有人回头时都能看见的坐标。孙艺洲明白这一点。他没想去抢戏，甚至有些刻意的收敛。但收敛本身就是一种力量，一种你明知道他在那儿，却无法忽视的底噪。

整部戏看下来，你会忘了去计较他的戏份多少。

但你会记住，有那么一个身影，一直在那儿。

这大概就是成功了。

流量时代把演员这个行当的某些东西给冲淡了。

现在看一些戏，感觉像在看一页一页翻过去的幻灯片。

演员露个脸，做几个规定动作，任务就算完成了。

剩下的，有专门的人去完成。

从骑马到走路，甚至一些本该属于演员的基本表演，都能找到对应的替身。

这已经成了一套完整的流程。

行业内部对此习以为常。

观众最初是愤怒，后来是嘲讽，再后来，可能就只是麻木地划走屏幕。

问题不在于用了替身。

武戏用专业替身保障安全，这从来都是被理解甚至被鼓励的。

但现在的情况是，替身的边界被无限拓宽了。

文戏，近景，甚至只需要表达细微情绪的特写镜头，都可能不是本人。

这就有点过了。

演员的核心工作被外包了出去。

他们出现在片场的时间，被压缩成一种符号化的打卡。

演技这个词，在这种生产模式下变得很抽象。

它更像一个贴在宣传通稿上的标签，而不是一种需要耗费时间和心力去打磨的手艺。

当然，效率是高了。

一个演员同时轧几部戏成为了可能，商业价值被最大化榨取。

资本喜欢这种模式，快，且风险可控。

至于最终端到观众眼前的东西到底是个什么成色，那似乎成了另一套评价体系里的事。

反正总有粉丝会买单。

这种循环一旦建立，就会自我强化。

能轻松赚钱，谁还愿意去下苦功夫呢。

老一辈演员那种为一个镜头琢磨几个月，为角色体验生活大半年的做法，听起来像上个世纪的传说。

不是说那种方式一定更好，但它至少说明，表演曾经被当作一门需要敬畏的手艺。

现在，手艺活变成了流水线作业。

演员成了流水线上最光鲜的那颗螺丝钉，或者更准确地说，是那个贴在成品上的商标。

真正的组装过程，观众看不见，也不被鼓励去看。

这最终伤害的是谁呢。

表面看是观众，看了些粗制滥造的东西。

但往深了想，可能是整个行业的可持续性。

当“表演”可以被如此轻易地拆解和替代，演员这个职业的独特性和尊严感也就悬空了。

它变成了一种纯粹的商业变现载体，一种脆弱的流行符号。

今天可以因为一张脸被追捧，明天也可能因为另一张脸的出现而被迅速遗忘。

这个过程里，没有留下任何值得回味的东西。

没有角色，只有形象。

没有表演，只有曝光。

这大概就是过度依赖替身，或者说，过度依赖这种碎片化、去责任化生产模式，所必然指向的终点。

一个挺没劲的终点。

赵露思在《珠帘玉幕》里煮面，手部特写镜头不是她自己拍的。

她平常被拍到用筷子，是左手。

那个特写镜头里，夹筷子的手换成了右手。

这没什么可讨论的，就是用了手替。

剧组这么安排，大概是觉得镜头完美比较重要。演员的时间，或者别的什么考虑，排在了亲自完成这个动作的前面。

观众现在眼睛都尖，这种细节藏不住。

倒也不是什么大事。就是让人觉得，有些画面，离得有点远了。

以前演戏，讲究个“真听真看真感觉”。现在技术好了，办法多了，有些“真”就被搁在了一边。这算一种进步吗，我说不好。可能只是一种选择。

行业有自己的运行逻辑。效率，安全，或者单纯为了画面更好看。

只是偶尔会想，那些最细微的动作里，本来应该住着角色的魂。

张翰在2024年的古装剧《流光引》里演了个少年男主。

一个中年人去演这种角色，观感上总归是有点距离的。

更引人注意的倒不是年纪，是替身的使用频率。

手替不算新鲜，脚替也出现了。

有些镜头里，动作的衔接显得不那么连贯，你能看出那不是同一个人的肢体。

这种频繁的切换，让画面产生了一种微妙的断裂感。

剧组用替身当然有他们的时间或技术考量。

但最终呈现在观众眼前的，是一个被切割过的表演。

观众不傻，他们能感觉到那种不协调。

演员的本职工作，是让观众相信角色。

当观众开始研究哪个部位是替身的时候，这份相信就已经动摇了。

这或许不是某个人的问题。

更像是一种行业快节奏生产下的普遍痕迹。

一切为了赶工，为了把流程走完。

至于那些细微的穿帮，似乎成了可以接受的代价。

代价最后由作品本身支付。

那场戏需要他跪下，可你看他的脑袋，跪之前和跪之后，高度几乎没变。

这挺怪的，对吧。

其实处理起来也简单，镜头切一下，给个下半身特写，观众就知道是替身在那儿完成动作了。

他本人呢，站着把词念完，就算交差。

连弯一下膝盖都不愿意。

就这样，还能红透半边天，这事儿琢磨起来，确实有点意思。

周也在《女将星》里演了个女将军，那是去年的事。

剧组拍戏的现场，有人数了数，光给她准备的替身，就不下五个。

文替负责站位置，武替负责打斗，马替负责骑马，背替负责背影，脚替大概就管走路。

门类齐全得有点过分。

高圆圆那边的事更有意思。

去年十二月份，她在一档户外综艺里录节目。

路人的镜头没拍到正主，倒是拍清楚了站在她位置上的另一个人。

电影用替身不新鲜，综艺节目也用上这一套了。

而且用得这么不加掩饰。

流量明星和孙艺洲在《镖人》里的状态，放在一起看，某种东西的断裂声就特别清晰。

那是一种工作伦理上的断裂。

他演知世郎，声音条件上其实不占便宜，甚至有点吃亏。这角色需要的那种诡谲和穿透力，不是靠后期能完全调出来的。

但他没用替身。我是说，所有那些需要摸爬滚打、尘土满面、耗费体力的戏份，他一件都没躲。

全自己扛了。

这听起来像句很老套的表扬。但放在今天的环境里，它偏偏就成了一个需要被特别指出的、带着点笨拙的事实。你甚至能想象出那个画面，摄影棚的灯烤着，一遍又一遍，直到导演喊过。没什么可渲染的，就是做完它。

脏活累活自己干，在别的行当可能是本分。在这个行当，却意外地成了某种稀缺的参照物。

孙艺洲演知世郎，好几场戏都在演他怎么垮掉。

垮掉的那些镜头，是在沙漠里拍的。

温度计上的数字跳到四十多，沙子烫脚，空气是晃的。

他裹着那种戏服，里三层外三层，脸上糊着油彩，汗一流，妆就花了，黏腻腻地扒在皮肤上。然后他得爬上马背，那马挺高，他得摔下来，一遍又一遍。

从马背上掉下来的过程，其实很短。

身体失去平衡，袍子被风鼓起来一下，接着就是结结实实地砸进沙里。沙子看着软，摔上去才知道，它是硬的，还带着白天积攒下来的全部热量，隔着衣服都能感觉到那股灼人的劲儿。他不能立刻起来，得等导演喊卡，或者等那股眩晕感过去。有时候沙子会灌进领口，和汗水混在一起，变成一种粗糙的、磨人的存在。

周围只有风声，还有机器运转的细微声响。

他躺在那里，看着天，天蓝得没有一丝云，像个巨大的、无声的盖子。然后他爬起来，拍拍身上的沙，走到监视器后面看看，和导演嘀咕两句，再走回去，被人托着，再次爬上马背。

这不是在拍动作片的花絮，没有那种热血沸腾的剪辑和配乐。

就是一种工作。一种需要反复把自己扔出去，再捡回来的工作。高温让所有动作都变得迟缓，包括思考。可能也没法思考什么，只是身体在重复一个指令：摔。

直到镜头捕捉到导演要的那个瞬间。

那个瞬间里，知世郎的失势，和孙艺洲的疲惫，是同一回事。戏服底下，他自己的衣服早就湿透了，能拧出水。妆一次次地补，粉一次次地盖上去，皮肤快要透不过气。但他摔下来的姿态，一次和一次，总得有点不一样。第一次是惊愕，第二次是不甘，第三次或许只剩麻木的认命。这些细微的差别，藏在那些翻滚和尘埃里。

沙漠不说话，它只是看着。

看着一个人，用最笨拙也最直接的方式，把“失败”这个词，一遍遍具象化。不是演出来的沮丧，是物理意义上的，从高处跌落。热量蒸腾起来，把远处的景物扭曲，那些拍摄用的器材和人影，都在热浪里微微抖动，像海市蜃楼。只有他摔进沙里的闷响，是真实的。

拍完一条，工作人员会跑过去递水，用小风扇对着他吹。

风也是热的。

他喝水的样子很急，喉结剧烈地上下动着。水从嘴角漏出一点，滴在戏服上，立刻洇开一小片深色的痕迹，但很快又被蒸干。补妆的时候，他闭着眼，任由化妆师的粉扑在脸上按压。那一刻他很安静，和刚才从马背上摔下来时的动荡，完全是两个人。

然后他睁开眼，眼神又回到知世郎的状态里。

或者说，那种状态下，本来就不需要太多复杂的眼神。失势的人，眼里往往是空的。沙漠也是空的。这两样东西碰在一起，倒成了最合适的布景。没有杂念，没有退路，只有一件事要做，就是完成它。

后来电影上映，观众看到银幕上那几秒钟的狼狈。

大概不会有人去想，那狼狈是从四十多度的沙地里，一遍遍捡起来的。

《镖人》的官方账号放出过一段孙艺洲的幕后花絮。

戏拍完了，他走回棚里，脱下那身行头。

里面那件短袖，湿得能拧出水。

皮肤上全是晒出来的红痕，一道一道的。

就这一个画面。

有些事，不用多说。

结语

孙艺洲不是个例。

整个《镖人》剧组都这样。

替身这词在他们那儿好像不存在，也没人琢磨怎么走捷径。帅不帅，那是观众的事，不是他们的事。他们只关心手里的家伙是不是够分量，胯下的马能不能在风沙里站稳。

兵器是真的，马也是真的。黄沙扑在脸上是烫的，太阳晒得人发昏。就在这种地方，他们一招一式地打，硬是打出了让人信服的对垒。

你很难说清楚具体是哪一招起了作用。可能就是这份不讨巧的实在，在2026年春节那一堆热闹里，被人看见了。或者说，感觉到了。

大家觉得今年最喜欢哪部电影啊？

来源：星光万花筒