摘要：接下来我将按照影片的篇章顺序，依次详细拆解六大感官篇章中的电影史细节与隐喻，从专业视角硬核还原《狂野时代》的真实内核！

文/ 小鱼陪拉片 蓝羽生

为什么《狂野时代》要采用六个故事章节的结构？

影片以视觉、听觉、味觉、嗅觉、触觉这五感+意识的维度作为章节划分的核心依据。

问题1：这六个章节分别讲述了怎样的具体故事？

问题2：每个“感官”维度在叙事中各自承载着什么深层象征意义？

问题3：贯穿全片的意象符号（如蜡烛），又藏着哪些隐喻内涵？

如果你看完《狂野时代》后也有这些困惑。

那么这篇文章千万不要错过！

因为，它能帮你深化对影片的理解！

接下来我将按照影片的篇章顺序，依次详细拆解六大感官篇章中的电影史细节与隐喻，从专业视角硬核还原《狂野时代》的真实内核！

（友情提示：内容较长，建议耐心阅读）

—— 五感+意识

“视觉、听觉、味觉、嗅觉、触觉与意识”感官体验的精巧结构，以“五种感官”作为内在体验线索，编织“六个章节”的百年电影幻梦。

这种前所未有的观影方式，毕赣导演是基于佛教中的“六识”——“眼识、耳识、鼻识、舌识、身识、意识”。

“六识”就是认知的过程，也就是说，毕赣导演希望观众能够以“六根清净”的观影状态，用“五个感官”去切身感受电影的魅力，去感受易烊千玺、舒淇的精彩表演，去感受毕赣导演的作者表达，以及五感被完全打开的奇妙体验。

影片开篇便打破第四面墙：银幕内的观众与现实中的我们实现历史隔空对望，舒淇饰演的“大她者”角色举起达盖尔银版照相机，为银幕外的我们拍下合影。

这一设计传递出导演最核心的创作理念：一场电影的灵魂，从来不是电影本身，而是观众。

Part 01 视觉篇

作为开篇的视觉章节，直接奠定了整部影片的核心基调。

这是一部关于“电影”的电影。

易烊千玺一人分饰五角的“迷魂者”、舒淇饰演的“大她者”，正是理解这部梦境诗篇的核心密钥。

“迷魂者”：串联百年影史意象的载体，在不同时代化身不同角色。

他在视觉篇是默片时代的怪物，听觉篇是谍战时代的囚徒，味觉篇是中式古风的还俗僧人，嗅觉篇是现代时期的骗术大叔，触觉篇是千禧时代的古惑仔。

“大她者”：梦境的开启者、观察者与观众引路人。

她或以真身出镜、或以旁白叙事，串联起“迷魂者”的六个章节故事。

在拉康理论的哲学语境中。

“大她者”象征秩序、法则与语言的赋予者，是类似母亲角色的“原初大他者”。

在《狂野时代》的元电影隐喻里。

她既是电影创作者与摄影机的化身，也是造梦机制本身。

视觉篇以清朝末年为时代背景，泛黄的4:3画幅、密集的字幕卡、染色的胶片，以及演员丰富的表情与肢体语言，无一不是对默片时代早期电影形态的致敬。

•“大她者”在萨尔瓦多达利的“眼睛”里，发现了“迷魂者”怪物化身的踪迹。

• 她进入到“微缩模型”鸦片馆，“一只大手”多次对微缩场景进行局部调整。在没有后期特效的无声默片时代，“手工”微缩模型拍摄，在电影史上的首次运用，是1902年法国导演乔治梅里爱的《月球旅行记》。

• 《月球旅行记》这部科幻短片，也被视为电影史上第一部科幻片。

• 类似手法还见于卓别林《淘金记》的悬崖小木屋、《摩登时代》的商场滑冰场景。

• 在寻找“迷魂者”的段落，致敬了我国非遗戏剧项目“皮影戏”。

• 井盖上鲜花转动化作骷髅的设计，既致敬早期动画装置“费那奇镜”，又以“鲜花（赞誉名利）”与“鸦片（欲望沉迷）”隐喻部分创作者初心在名利中迷失。

• “月亮脸”道具再次呼应《月球旅行记》，扭曲布景与高对比度光影则致敬德国表现主义代表作《卡里加里博士的小屋》。

当“大她者”掏空“迷魂者”背脊的鲜花（发现内置早期放映装置），放入胶片后场景切换至草地，二人复刻卢米埃尔1895年《水浇园丁》的经典桥段——胶片取代鲜花、红色鲜花变纯白小花，暗喻创作者从追逐名利回归艺术本心。

Part 02 听觉篇

“听觉篇”作为承接“视觉篇”的第二篇章，画幅从方正的4:3切换至1.37:1的国际标准学院比例。

落幕中，它开启了写实叙事的转向，象征着从无声电影到有声电影的技术变革与时代阵痛。

声音，正是这一篇章的核心元素。

复古的字幕卡被人物的有声旁白与对白取代，每一帧影像都被赋予了具象化的听觉音效与配乐。

时代背景来到20世纪40年代，充满黑色电影和谍战片风格的民国时期。

“迷魂者”从怪物化身为美少年邱默云。他与赵又廷饰演的长官，形成了似敌似友的紧张关系。

故事围绕一个各方势力都想寻找的“神秘箱子”展开，长官对邱默云施行了残酷的拷问与多次对峙，最终长官刺穿双耳，只为“听见”迷魂者的声音。

两人之间最核心的纽带，依然也是篇章核心的“声音”。

长官以自毁的方式追寻“真声”、追寻“真相”，是本篇章中最为触目惊心的情节。

从有声世界的白噪音，到无声世界的一片死寂，听觉体验的不同转换，让观众也跟着屏住了呼吸。

毕赣导演在这一章节大胆地调动观众的听觉感官。

无论是蒸汽火车的汽笛声，威压拷打的鞭刑声，还是子弹击破镜子的碎裂声，甚至是模仿耳聋的真空声，营造出紧张悬疑氛围的同时，也让观众切身感受角色在听觉世界的迷失与变化。

镜子作为本篇章的关键意象，多次以“汽车后视镜、招牌文字、实体镜面”出现，既隐喻无声与有声时代的对照，也承载着电影作者理念的投射与观众情感的共鸣。

邱默云与长官在“镜子铺”的对峙，是对1947年奥逊·威尔斯《上海小姐》中“镜子迷宫枪战”的致敬；

“镜子”同时也是邱默云与长官，一体两面、互为镜像的隐喻。

邱默云是拥有秘密的美少年，带着破碎感和暗黑气质，他迷恋于箱子发出的特定声音，沉浸于感官的极致体验。

长官是拥有权力充满威压的审讯者，但他追求的却是绝对的“静默”，通过摒弃感官来追求超脱。

虽然他们对待“听觉”是两种极端的态度，但是他们也共同分享着某种孤独。某种对绝对真实的渴望。

长官破译情报的桥段中，“箱子”成为希区柯克式的麦格芬（推动剧情却未必核心的物件），摄影技法上也致敬了经典的“希区柯克变焦”。

后续出现的乐谱，是巴赫巴洛克时期的宗教声乐作品《来吧，甜蜜的死亡》（BWV478）。

这首乐曲表达的是对死亡的超脱式渴望，反映了路德宗神学思想。

邱默云打开“箱子”，里面是“一架特雷门琴”。

特雷门琴，由前苏联物理学家利夫特尔门于1919年发明。是世界上第一件电子乐器，也是世界上唯一不需要身体接触的电子乐器。

40、50年代被好莱坞电影广泛应用，尤其是惊悚的恐怖片。美剧《生活大爆炸》第4季第12集中，谢耳朵也曾在剧中演奏过特雷门琴。

“燃烧的大树”、列车上邱默云与长官的“玉石俱焚”，可以看做是一种通感联觉的艺术手法。火焰噼啪作响的听觉细节，强化了视觉奇观的冲击力，让抽象的听觉体验变得可见、可感，甚至带有温度与破坏力。

从影史维度看，有声技术的诞生曾给电影界带来巨大冲击与争议，仿佛一场“大火”。

所以，“燃烧的树”或许也是对那段影史变革的某种隐喻，象征着传统电影形式的“燃为灰烬”与新生媒体“浴火而生”的萌芽。

Part 03 味觉篇

第三章节“味觉篇”是全片最具东方禅意与辛辣讽刺的篇章。

20世纪60年代，风雪孤庙的独特意境中，“迷魂者”化身为了一个还俗的小和尚。他协助盗匪偷运寺庙里的佛像，并在一个风雪交加的夜晚留宿破庙。

剧烈的牙痛折磨着他，这时候《路边野餐》主演陈永忠饰演的“苦妖”出现了。

“苦妖”并非外在的威胁，而是小和尚内心愧疚感的具象化身。通过两人的对话，以及“苦妖”就是小和尚“父亲的形象”，观众可以拼凑出小和尚一段隐秘的过往。

——他曾亲手用发芽的土豆，毒死了身患狂犬病、痛苦不堪的父亲。

“迷魂者”这个“悔恨的儿子”，在“弑父”的精神崩溃中尝尽世间至苦，最终在苦涩中感悟生命，重生为“狗”，完成救赎与蜕变。

所以，“味觉”在此远不止生理苦涩，是心理负担，更是难以释怀的罪孽感在味蕾上的投射。

小和尚听从了“苦妖”的建议，用“最苦的石头”把牙敲掉。这个充满痛感的举动，既是对身体痛苦的终结，也象征着他试图通过肉体的惩罚，来获得心灵的解脱。

雪地里拼出的“甘、苦”二字，与苦妖在水缸浮萍上写下的“甘、苦”形成视觉对位，既点题“味觉”，更将“苦尽甘来”的东方辩证思维具象化，暗示味觉体验与人生经历的深层关联。

除禅意外，篇章还暗藏对电影与观众关系的思考，及对商业片的尖锐讽刺：

• 盗匪骂小和尚“小狗日的”，看似针对角色，实则暗讽某些电影作者与作品；

• 缺失“单人旁”的“佛”字，在本篇章出现一次中景镜头，一次特写镜头。“佛”字去掉偏旁，像极了美元符号“$”。

讽刺的是，当电影“不再以人为本”，电影创作脱离了大众群体，不再讲“人间”的故事，沦为了“商业牟利的生意”。

那么这种电影，就和“发芽的土豆”一样，是有毒的。而生产这种电影的人，就像小和尚用“土豆下毒”一样，他们也是知道这种电影，是有毒的。

“苦妖”的台词，“佛祖制定戒律之前，还不知道什么是尼古丁”。

小和尚的台词，“我在这座庙的时候，还没有这尊佛”。

两句台词对照，讽刺意味拉满。电影的诞生，最初是为了人们的精神满足，而在电影技术迭代革新中，某些电影似乎演变成了某种“精神上的鸦片”。

利字当头，艺术为下，蚕食着观众的审美品位和独立思考。

所以“味觉”篇章结尾，一条黑狗走出寺庙后，就传来了“被打死”哀鸣声。除了“留白”的美学意境，只可意会不可言传的画外之意，就留给观众去“品味”了。

Part 04 嗅觉篇

第四章节“嗅觉篇”将背景置于上世纪80年代，以“气味”这一无形却极具穿透力的感官为线索，讲述了一段关于记忆、创伤与温情的故事。

迷魂者化身成沧桑沉稳、嗓音浑厚的中年人。

他身着极具时代特色的黑皮夹克，在车站的场景中，以坑蒙拐骗为生。且和一位“失孤”的小女孩，组成“假父女”的搭档。他们利用所谓的“特异功能”，也就是“嗅觉识牌”的骗术，进行表演来赚钱。

这里的“嗅觉”骗术，与上一个篇章结尾“重生为狗”紧密相连。“迷魂者”凭借“狗”的敏锐嗅觉，与小女孩招摇撞骗，在市井烟火与骗局迷雾中，折射出人们对财富的渴望与良心的拷问。

本篇章出现了“意念掰勺、意念移物、纸牌戏法”等充满市井气息的桥段。

但是故事的核心却不在于此。

而是用嗅觉与扑克牌、灰烬的信件等视觉符号，进行意象关联，用“通感联觉”的手法打破传统的叙事逻辑，引导观众用身体的直接经验去感受电影的真正表达。

就像我们生活中，偶然闻到一种熟悉的味道，脑海里就会自然浮现，与这种味道相关的记忆。

所以，本篇章中的核心谜题，“人身上丢失了什么东西永远也找不回来”的谜底……

是臭屁！

——为什么是“臭屁”呢？

因为“臭屁”。

它是一种“嗅觉”的气味，也是“昔日难追”的象征，一旦排出体内便消散在空气中。

虽然“气味”像一把“钥匙”，可以打开记忆匣子的深情回溯。但是时过境迁，物不是人也非，留下的只有附着在“气味”中，最深刻的记忆与最沉重的情感。

特异功能、魔术手法，同时也是电影隐喻手法的“障眼法”，思想内核较为接近诺兰导演的《致命魔术》。

而破解魔术的秘密，也就如同深度拆解一部电影里意象手法之下，隐藏的真正含义和表达。

这也是观众观看一部电影的一大乐趣所在。

Part 05 触觉篇

第五章节“触觉篇”，是本片叙事最为完整，也是毕赣导演在感官探索之旅中最为浓烈和具象的篇章。

千禧年前夕，20世纪最后一天的时代背景，暖红色“危险且浪漫”的滤镜，瞬间将观众的记忆拉回90年代的文艺港片。

“迷魂者”化身为一个黄毛古惑仔，与李庚希饰演的朋克风吸血鬼少女邂逅。

在“世界末日”的氛围下，两人于雨中奔跑、宣泄，通过肢体触碰与肌肤之亲，表达出时代的迷茫与遗憾。

整个篇章，毕赣导演用他标志性的手持长镜头，跟随着这对少男少女，从河畔的石板路，穿过狭窄过道的红灯区，走进灯红酒绿的“日出歌厅”，最后回到河畔、登上货船。

完成了难度极大的、酣畅淋漓的、长达37分钟的一镜到底。

毕赣导演选择用超长镜头来呈现“触觉”，我认为这本身就是一种天才的电影化表达。

这种不间断的、呼吸般的影像流动，让观众无法抽离，仿佛亲身跟随角色在场景中穿梭。模拟出一种持续的、无法中断的“触碰感”，让观众不再局外的旁观者，而是与角色一同体验每一种“触感”的亲身参与者。

触摸到“牙齿咬下青苹果的脆感”，触摸到“淅沥小雨的湿感”，触摸到“歌厅蹦迪的畅感”，触摸到“货轮舵盘的掌控感”。

这种“触觉”，又从肌肤之亲，升华为连接孤独灵魂、甚至是直面生死的一种精神共振。

李庚希“吸血鬼”角色的设定，其实就是电影本体的象征，就像吸血鬼依赖人血维持生命一样，电影艺术也依赖观众的注视与情感投入等“迷影情结”才能存续。

而她这个人物身上，还有很多细节。

她上衣上“紫荆花”的图案，黄觉饰演角色“罗先生”，以及“罗先生”演唱的歌曲《小李飞刀》，都代表着这是独属于港片情怀的篇章。

“邰肇玫”的假名，也是符合千禧年网络迅速发展，人们惯用网名自称的时代习惯，“邰肇玫”的黑胶唱片，以及李庚希演唱的歌曲《玉兰花》，其实都是毕赣导演借“邰肇玫”之名的自我表达。

邰肇玫，是一名中国台湾女歌手。

她从大学时期，就开始写自己的歌、唱自己的歌，并把自己的一些对于家庭、对于生活的理念，写进歌曲里。

这和毕赣导演，写自己的剧本，导自己的电影，把自己的创作表达，埋进电影的镜头里，是同出一辙。

而在篇章临济结尾处，延时摄影的露天电影桥段，放映的则是1895年原版的默片《水浇园丁》，与第一篇章“视觉”，互文呼应。

Part 05 意识篇

最终篇章“意识篇”，“大她者”再次出现，她为“迷魂者”穿戴上“怪物”的特效化妆。巧妙地与“视觉篇”，形成了闭环结构。

故事的开始，是“大她者”为“迷魂者”装上胶片，启动电影长河的梦境。

故事的结尾，是当“视觉、听觉、味觉、嗅觉、触觉”五种感官的梦境，在逐一体验完毕后，胶卷转动完毕，梦境也随之终结。

但这个结尾，充满了双重意味。

一方面，预示着一段旅程的结束，“迷魂者”的生命走到了尽头，感官全部关闭，意识也随着虚无消散。

另一方面，又暗示着一个“死亡与新生”的循环开始。影片的英文片《Resurrection》，复活、复兴的意思，也正是点题于此。

毕赣导演将“凄美感”，在最后剧终的“蜡烛影剧院”中推向了极致。

影剧院蜡烛融化，发光的观众灰烬消散。像是一场电影结束，影厅“人走茶凉”的失落冷寂；像是贯穿全片“蜡烛”符号意象，电影作者燃烧才华，点亮温暖观众，留下永恒的记忆；又像是“人死之后，会去电影院，来回顾自己的一生，再活一次”，将电影院比作灵魂归宿之地的乐观寄望。

——作为观众的我们

观看《狂野时代》，就像是观看了一部浓缩的电影史。

所以，“迷魂者”不仅是电影作者，更是坐在大银幕前的每一个观众。

我们如同“迷魂者”一样，在电影世界的梦境中经历悲欢离合，体验百味人生，生命也被延长了一百年。

电影结束，灯光亮起，也如同一次梦醒时分。

而我们，带着影片留下的情感痕迹，回归到现实生活。

总结而言。

《狂野时代》这部艺术电影，注定是华语电影难得且重要的一部伟大佳作。

它是一曲对电影艺术本身的深情挽歌，也是一封对电影艺术本身的告白情书，更是一次对生命与存在本质，哲思的、诗意的回望与探索。

影片中藏着无数值得反复揣摩的深层底蕴与细节隐喻，而对于热爱电影的“我们”来说，这些散落在镜头里的秘密，恰是观影体验中最珍贵的馈赠。

来源：编剧蓝羽生