摘要：在第十六届北京国际电影节步入尾声，一场备受瞩目的“电影十问”圆桌交流如期举行。4月23日，北京电影节创作论坛在郎园Station举行。在圆桌论坛环节，导演贾樟柯、陈英雄、理查德·柯蒂斯、於水与观众代表，围绕电影观影习惯、创作范式、影像真实、IP改编及流量明星等

在第十六届北京国际电影节步入尾声，一场备受瞩目的“电影十问”圆桌交流如期举行。4月23日，北京电影节创作论坛在郎园Station举行。在圆桌论坛环节，导演贾樟柯、陈英雄、理查德·柯蒂斯、於水与观众代表，围绕电影观影习惯、创作范式、影像真实、IP改编及流量明星等十个问题展开深入探讨。

本次论坛打破传统模式，首次邀请4位电影界创作者与4位不同身份的观众代表同台对话，以“Yes/No”举牌表态+深度阐释的形式，围绕电影创作、观影习惯、行业趋势等核心议题展开探讨，其中不乏观点的碰撞与矛盾，更显对话的真实性与深度。

论坛由知名编剧张冀主持，邀请到陈英雄、理查德·柯蒂斯、贾樟柯、於水四位资深创作者，以及北京大学学生陈双本、个体经营者古来让、金融从业者郭琦、高校教师刘明谦四位观众代表，共同呈现了一场兼具专业性与大众视角的光影对话。

本次论坛共设置10个核心问题，均来自网友在线征集的469个问题精选，聚焦行业痛点与大众困惑。每位嘉宾与观众代表结合自身经历，给出了真诚且深刻的回答，期间多次出现观点分歧与矛盾碰撞，既展现了行业多元视角，也还原了电影行业的真实困境。

问题一：大家现在看电影更多是去电影院看，还是在家看？若去电影院，一年大概自费观影几次？

观众代表陈双本（北大新生）：影院与家庭观影次数相近，但更偏爱影院，去年高考结束至今已在影院观影30余次，包括学校讲堂放映场次，代表了年轻群体中“影院偏好派”的视角。

观众代表郭琦（金融从业者）：在家观影更多，一年约100部，商业院线5-6部，加上北影节、电影资料馆放映，全年影院观影30余次，主要通过资源观看经典老片，与陈双本“偏爱影院”形成对比，体现了“家庭观影为主、影院补充”的大众习惯。

观众代表刘明谦（高校教师）：有收集票根习惯，2025年全年影院观影票根158张，平均每周3部，涵盖北影节、平遥、西宁等影展，是“影院深度爱好者”。

贾樟柯（导演）：多数时间在影院观影，作为影展组织者，选片需在大银幕观看；参与国际电影节时，每次集中观影10-15部，且部分影片会看两遍，强调影院是还原导演影像与声音意图的标准场域，立场鲜明地站在“影院观影”一侧。

理查德·柯蒂斯（编剧/导演）：常与孩子在家看老电影，也会在新片上映时去影院，享受共同共鸣的喜悦，偏好影片刚上映时观影，感受多人共赏的美妙体验。

於水（导演）：一年院线观影8-10部，多于家庭观影，认为影院能让人更集中精力，观影体验比电脑、电视好20%，支持影院观影，但观影频次较低。

陈英雄（导演）：一年影院观影不到10次，同时会花时间去博物馆、画廊等，仍认可影院作为传统观影场所的价值。

问题二：当创作开始参考“电影节获奖范式”时，是否正在与普通观众拉开距离？

贾樟柯（导演）：否定该观点，认为“电影节获奖范式”本身并不存在，电影节作品百花齐放，涵盖商业与艺术多种类型，艺术电影也无固定形式（如长镜头并非艺术电影的唯一标志），创作参考所谓“范式”的前提不成立，甚至质疑“参考获奖范式”这一行为本身的合理性。

陈英雄（导演）：虽与贾樟柯一样不认可“获奖范式”，但思考角度不同——贾樟柯否定“范式”的存在，陈英雄则强调形式与内容需有机结合，创作应聚焦自我表达，而非刻意追求“获奖范式”；若作品脱离自身表达，既无法传递情感与意义，也无法让观众了解创作者，更谈不上与观众拉开距离。

理查德·柯蒂斯（编剧/导演）：自嘲喜剧不受电影节青睐，但也认为不存在“获奖范式”与观众的对立，最伟大的电影可涵盖多种类型，“类型无高低”。

张冀（主持人）：补充指出，现实中存在部分青年创作者刻意模仿“电影节形式”（如滥用长镜头、固定机位），忽视内容表达，这种行为确实会与观众拉开距离，这一补充与贾樟柯“不存在获奖范式”形成轻微矛盾，既认可贾樟柯的核心观点，又点出行业中存在的真实问题。

问题三：有观众说现在短视频里能看到很多真实的时刻，电影看起来却越来越“假”了，你同意这个说法吗？

观众代表刘明谦（高校教师）：不同意该说法，电影的“假”源于部分创作者不够接地气、缺乏生活观察；举例《宇宙探索编辑部》等，虽题材特殊或为小众语言，但因贴合真实情感与生活，能引发广泛共鸣，证明电影可传递真实力量。

陈英雄（导演）：需区分生活与艺术，生活是经历，艺术是表达；电影制作过程虽有“虚构”（如演员未真死），但通过场景组合与情感传递，能赋予故事深层意义，与短视频的真实片段不可同日而语，其核心是“电影的真实是艺术真实，而非生活真实”，与观众“短视频的真实更直接”的认知形成矛盾。

贾樟柯（导演）：提出“虚构是抵达真实的唯一路径”，认为短视频呈现了多元社会面貌，弥补了电影创作触角的局限，电影工作者的触角无法触及生活的每个角落，而海量短视频由亿万人记录，从数学和社会学角度看，确实呈现了更多被银幕世界忽视的现实。但他强调，电影的使命从来不是单纯记录真实，而是导演对世界的美学反应与情感触动。

理查德·柯蒂斯补充：建议加强电影教育，让观众从小学习电影语言，提升鉴赏力，才能更好地理解电影的真实表达，而非简单将电影与短视频的“真实”对比。

问题四：当电影越来越依赖IP时，观众是否更难看到“有创造性的、有新意”的作品？

贾樟柯（导演）：认为该问题设问存在偏差，IP电影与原创、有创意的电影并行存在，观众看不到新意作品，并非因为IP电影的存在，而是自身选择的问题，不应将两者对立，态度坚决地否定“IP与新意对立”。

理查德·柯蒂斯（编剧/导演）：认可仍有优秀原创电影诞生，但担忧投资方过度重视IP，会干预创作过程；同时指出，IP系列作品往往越往后质量下滑，第一部通常优于后续作品。

於水（导演）：以《浪浪山小妖怪》为例，认为IP创作的关键是避免路径依赖，即使依托《西游记》这一经典IP，也可通过挖掘新视角实现创新；IP续作的难点是在原有基础上找到新的人物成长与表达角度，电影史上已有成功案例，其观点支撑了贾樟柯“IP与新意可共存”的说法，与理查德的“担忧”形成对比，展现了IP创作的两种可能性。

陈英雄（导演）：以自身改编《挪威的森林》为例，提出改编的核心是传递原著带来的情感与启发，而非照搬故事，尊重原著的精神内核，而非内容本身，这也是IP改编中保持创造性的关键。

张冀（主持人）：补充指出，当前市场上存在“狭义IP”（如商业性强的网络文学IP）过度复制、缺乏创新的问题。

问题五：当电影依赖“流量明星”吸引观众时，这种选择是否会改变创作判断？

贾樟柯（导演）：认为无法简单用“Yes/No”回答，关键在于导演的创作心态；若导演功利地追求流量带来的市场效应，不顾演员是否适合角色，就会被流量改变；若流量明星适合角色，选用其并非不可，导演的本分是评估演员的胜任力，而非纠结于“流量”标签，态度中立，强调“导演心态”的核心作用。

理查德·柯蒂斯（编剧/导演）：强调选角是电影成功的关键（选角成功则电影60%成功），选角应基于演员的适配性，而非流量；部分有流量的演员经过试镜，也能呈现出色表演，核心是准确判断演员是否适合角色，其观点与贾樟柯一致，但更侧重“选角的专业性”。

张冀（主持人）：补充提问，指出当前“流量明星”与传统明星的区别——传统明星从片场成长，流量明星则从其他领域积累粉丝，电影依赖其粉丝效应扩大影响力，这种模式是否会冲击创作，贾樟柯未直接回应，但强调“导演不应站在制片角度考虑演员”，与部分制片方“流量换票房”的商业逻辑形成矛盾，凸显创作与商业的潜在冲突。

贾樟柯补充：观众将演员分为“流量”“实力派”是一种有趣的归类，但导演应将合作对象视为“演员”而非“流量”，这一观点与部分观众“流量明星演技差”的固有认知形成矛盾。强调“流量”标签不应成为判断演员的唯一标准。

问题六：电影为了票房，要去迎合“新大众口味”（偏互联网、年轻观众口味）吗？

观众代表古来让（个体经营者/音乐人）：不认同“迎合”，认为“迎合”的姿态不平等、不真诚；创作的重点不应是纠结于节奏、受众类型，而应真诚表达自我，创作者与观众应是平行共振的关系，真诚的作品自然会获得票房或奖项的认可，不迎合不代表不考虑市场，明确反对“迎合”，强调创作初心。

陈英雄（导演）：创作时不会考虑观众偏好，而是希望给观众呈现“惊喜”，将自己的灵感与情感转化为作品，视为送给观众的礼物；过度考虑观众喜好会影响创作，创作者应专注于自身表达。

理查德·柯蒂斯（编剧/导演）：快节奏、碎片化的表达是年轻创作者的自然表达，并非刻意迎合；电影的快与慢是相对的，慢节奏电影中也可包含快速的思绪流动，关键在于作品能否传递情感与思考，而非节奏本身。

张冀（主持人）：作为从业者，坦言高投资电影面临回收成本的压力，不得不考虑“新大众口味”，这种“现实压力”其实是电影行业“创作初心与商业压力”的真实困境。

古来让补充：不迎合不是不考虑别人，是姿态不同，与张冀“商业压力”的观点形成呼应，化解了部分矛盾，说明“拒绝迎合”与“考虑市场”并非对立关系。

问题七：面对互联网算法算出的用户群像，传统电影院面对的“有血有肉的人”，你更倾向于关注哪一方？

陈英雄（导演）：明确倾向于关注有血有肉的人，认为人与人之间的交流是电影的核心，演员与观众都是真实的个体，算法勾勒的用户群像并非真实存在，关注真实个体才能传递真挚的情感，态度坚决地否定“算法用户群像”的价值。

於水（导演）：以《浪浪山小妖怪》为例，提出动画形式虽与真实生活有距离，却能通过“神话现实主义”的方式呈现现实，动画角色可成为观众的情感投射载体（如小猪妖成为打工人的缩影），反而能实现更广泛的情感共鸣，证明关注真实个体的重要性。

陈英雄补充：不否认算法在特殊场景中的作用，但强调电影的核心是“人与人的交流”，与当前部分影视公司“依赖算法定制内容”的做法形成矛盾，凸显“创作以人为本”与“算法主导创作”的对立。

问题八：再好的电影也会受到批评，若批评来自观众，且理由是“看不懂”，你介意吗？

理查德·柯蒂斯（编剧/导演）：介意观众“看不懂”，会通过提前试映测试电影效果，根据观众反馈调整内容（如剪掉观众不觉得好笑的片段）；但也会忽略一些不合理的评论，重点关注观众观影时的真实感受，而非事后的片面评价，态度矛盾——既在意观众理解，又不盲从所有评论。

於水（导演）：同样介意，其团队会在上海、威海等地进行详细的观众问卷测试，根据反馈优化作品，重视观众的真实体验与理解程度，与理查德“介意且调整”的态度一致，但更侧重“系统测试与优化”。

张冀（主持人）：补充指出，中国市场上商业电影普遍采用“试映+问卷”机制，与理查德、於水的做法一致，但也有部分艺术电影创作者拒绝“为观众调整”，坚持自我表达，进一步凸显了“商业电影”与“艺术电影”在对待观众批评上的态度矛盾。

问题九：当AI彻底进入创作，“作者是谁”对今天的观众还重要吗？ 贾樟柯：强调

作者身份不可替代、至关重要

。电影是创作者生命体验、情感阅历、人文思考的集合，导演、编剧、主创的个人风格与精神内核，是作品的核心灵魂。AI 只是冰冷的工具，依托数据库拼接内容，没有真实生活、没有情感共情、没有价值立场。即便 AI 辅助创作，最终的审美选择、故事内核、情感表达，必须由人类作者把控。在他看来，观众看似关注剧情，实则长期依赖作者标识建立审美信任，

作者性，是电影区别于工业品的核心底线

。

陈英雄：他承认 AI 是不可逆转的行业趋势，能够提升制作效率、降低创作门槛，但坚决认为艺术创作必须保留人的最终决策权。AI 可以辅助劳作，但不能成为创作主体；作品的情绪表达、美学风格、人文立意，必须由人类创作者定义，人机可以协作，但作者的核心地位不能消失。

於水：从动画行业现状出发，短视频、动画、轻量化影像创作中，AI 应用普及，年轻受众早已习惯人机协同内容，在快消式视听消费中，作者标签逐渐失效；但院线长片、艺术电影、深度剧情片，观众依旧看重作者风格与个人表达。这就形成明显割裂：

不同赛道，对 “作者” 的需求完全不同

。

理查德・柯蒂斯：以喜剧创作逻辑补充对冲。喜剧的核心是人性观察、生活趣味与细腻情绪，高度依赖创作者的阅历、文化底蕴与个人幽默感，AI 无法捕捉微妙的人文细节与本土化情绪，优质的喜剧创作，永远离不开专属的人类作者。

问题十：在未来，你认为电影的主要放映场所还会是电影院吗？

陈英雄（导演）：肯定会，认为自己必须去电影院才能真正看电影，影院是不可替代的观影场所，态度坚决，完全认可影院的核心地位。

於水（导演）：肯定会，强调影院的稀缺性——在快节奏的生活中，影院能提供专注观影的“蓬松时刻”，这种专注与放松是家庭观影无法替代的，未来影院会维持稳定的平衡状态。

理查德·柯蒂斯（编剧/导演）：担忧未来更多人会选择在家观影，认为影院观影的魅力在于集体共鸣，与家庭观影、听唱片与听现场的区别一致；同时指出，英国影院观影成本上升（从5英镑涨到20-80英镑），可能影响观众的选择，需要大家共同支持影院。他不否定影院的魅力，但对未来影院的核心地位表示担忧。

贾樟柯（导演）：希望影院仍是主要放映场所，认为影院是理解一部电影的标准场域，电影人应主动捍卫电影院，拍出吸引观众的作品，传递影院观影的魅力，即使最终取决于观众选择，电影人也应坚守银幕放映的初心。

张冀在主持结尾表示，人与人的交流永远无可替代，这场对话让大家看到了创作者作为“人”的真实情绪与坚守，也让观众感受到了光影的魅力。

来源：荧屏咖秀场