摘要：如果我们将Maison Margiela比作一部电影的话，那么它大概率不是那种合家欢的商业爽片，它更像是一部需要你投入思考的实验性影片。 一些聚焦的瞬间、一些重点之外的游离、一些现实与虚幻之间的切换，在观看Maison Margiela时，你需要投入思考，去用

如果我们将Maison Margiela比作一部电影的话，那么它大概率不是那种合家欢的商业爽片，它更像是一部需要你投入思考的实验性影片。 一些聚焦的瞬间、一些重点之外的游离、一些现实与虚幻之间的切换，在观看Maison Margiela时，你需要投入思考，去用自己的方式拼凑出故事脉络。 在反复观看和不断回味之间，事情似乎变得有意思起来：观看Maison Margiela的重点不再是“看”这个动作，而是如何看它。

在今年4月，Maison Margiela 2026秋冬系列在上海宝山的一处港口展开，也带来了Glenn Martens视角下的全新面貌。几乎与秀场直播同步，明星、造型、观众的手机画面开始在社交媒体上流动。紧接着，Maison Margiela/folders展览对公众开放，让这场关于时装的讨论从秀场延伸到城市，也很快出现在互联网的各个角落。

Maison Margiela不同时期的面具

尽管当我们在谈论Maison Margiela的时候，影像似乎并非第一时间浮现在脑海中的元素。但不得不承认，影像作为一种传播和表达的媒介，早已成为了我们了解Maison Margiela的重要渠道。我们通过社交媒体、视频网站上的官方账号，浏览、欣赏品牌的最新视觉，又通过用户们自发分享和记录下的影像片段，来构建起更完整的品牌印象。

事实上，在很长一段时间里，影像是观众们窥探Maison Margiela这个时装屋为数不多的途径。

这一方面，源自于品牌创始人Martin Margiela对“匿名性”的坚持，与他有关的影像或者照片鲜少流传。甚至在他参与拍摄的纪录片《Martin Margiela: In His Own Words》中，这位低调的设计师只允许自己的双手出镜。

另外一方面，Martin本人并不是商业化影像和网络时代的拥护者。譬如他在品牌1993春夏系列的秀场上拒绝为摄影师提供专门的秀场拍照区域，并在入口张贴告示禁止专业设备入场。他也会刻意调暗秀场的灯光以此来限制现场摄影。所以很多时候，只有官方制作的秀场影像流出。

Maison Martin Margiela 团队于2001年拍摄的合照，其中空缺的椅子为缺席合影的 Martin Margiela

但这并不意味着Martin是反对影像创作的，他其实是将影像创作视作了与秀场、时装相区别的独立的创意表达。他会为特定的时装秀系列拍摄和剪辑有别于传统时装秀视频的影片，也会将影片作为一场时装秀的主角。

哪怕是Martin离开后的Maison Margiela，他的继任者们——John Galliano和Glenn Martens——也都没有“抵触”影像的创作，将各自的创意视野融入进这一囊括了声音、画面的动态媒介之中。

所以，就让我们以片段的形式，来串联起Maison Margiela这部影片。

在1988年巴黎第四区Café de la Glare狭小的空间里，抖动的画面里，一群人正在注视着台上穿着与80年代浮夸时装截然不同的极简服饰的模特。

突然间，镜头仿佛有了自己的想法，它一会儿对准秀场舞台，一会儿关注路过模特的服装细节，一会儿又对准混乱嘈杂的人群。至于那个“主舞台”上发生的完整故事，似乎是个谜团。

这是来自Martin Margiela创立Maison Margiela后首场时装秀的影像。它有别于80年代末以及90年代初主流时尚影像开始积极拥抱流行文化并愈发精致、奢华的趋势，反而显得有些质朴，甚至是“业余”。

Maison Martin Margiela (1990s), Ronald Stoops

这是Martin的有意为之。在他看来，时装影像存在的意义并非顺应时代趋势，它应该是一种有别于时尚设计的创作媒介，通过影像，他将自己“对抗趋势”的理念延展，让观众们和时尚爱好者们更好的感受服装、物品与人之间的情感联系。

透过抖动的镜头，Martin将Maison Margiela 1989春夏系列的时装影像转化为了一部第一视角的纪录片，镜头即是我们。

镜头对准Maison Margiela 1991秋冬系列，一个模特，正穿着新季时装在巴黎街头游走。画面一转，在Maison Margiela的工作室里，裁缝们正在努力制作着衣服，偶尔会为一些单品刷上白漆。紧接着两个故事交汇，模特在工作室里试装，而后又走上了街头，裁缝们继续做自己的事情。

Maison Martin Margiela 1991 秋冬系列

Martin是想要记录系列从无到有的全过程？仔细想想看也不对。在这段故事里，那件最终被模特穿上街头的衣服好像才是主角。它是如何被设计出来，又是如何进入日常的，被完整呈现。

镜头再一转，来到颇具革命性的1998春夏系列。这一次，秀场没有留下任何的影像记录，但我们能看到一条Martin与团队预录好的短片。

短片展示了模特是如何穿着那些看似“扁平”的时装。而现场的观众看到的是工作人员们，身穿实验室白大褂，拎着扁平的时装登台。就好像如今我们网购服装一样，在真实触摸到之前，只能靠想象。

Maison Martin Margiela 1998 春夏系列

千禧年以后，Martin依旧弱化影片的叙事，并结合新的技术和影像制作形式来丰富画面体验：2002春夏系列结合了数字动画来凸显“扁平化”设计。2004秋冬系列的静态图片呈现，来创造一种非常规叙事。

零散的画面和叙事逻辑的缺席，Martin挑战了我们对时装影像的观念。在他的视角下，镜头是自由的、人物是自由的、画面是自由的，我们需要做的不是去了解影片给出的既定答案，而是要通过线索一步步拼凑出属于自己的“纪录片”。

Maison Martin Margiela 2002 春夏系列

时间转眼来到了2010年前后，影像技术在过去的十年间获得了飞速的进步：

2009年，Alexander McQueen与Nick Knight所创立的SHOW Studio合作，在互联网上对Alexander McQueen 2010春夏系列进行全程直播，并在谢幕十分首播了Lady Gaga的单曲《Bad Romance》。这一造成服务器瘫痪的首场网络直播时装秀，彻底改写了时装影像的创作模式。越来越多的品牌开始精心策划时装影像，试图让屏幕之外的观众也能沉浸式的感受到秀场本身的魅力。

与SHOW Studio合作直播的 Alexander McQueen 2010春夏系列

社交媒体的发展，在帮助品牌宣传的同时也消解了传统时装秀的神秘性。我们可以在社交网站上看到从妆发、造型到走秀和后台采访等一系列围绕着时装秀展开的影像内容。影像不再是时装秀的附属品，反而成为了品牌触及更多受众和观众的重要媒介。

Martin或许会对这样的趋势不屑一顾，但作为他在Maison Margiela继任者的John Galliano却把它视为实践自己创意理念的自由土壤。

尽管在创作上，Galliano并非是一个完全沿袭Martin道路的设计师。成长在新浪漫主义浪潮下的他，更擅长运用趋势来打造自己的世界。但在影像制作上，他似乎与Martin有着某种共性。

John Galliano 时期的Maison Margiela

在一场鬼魅的水面探戈舞蹈之间，视频会议的画面突然弹出，紧接着是一段记录着演员们彩排和造型的现场视频，每个在场的工作人员都被标注上了他们的名字。而后画面一转，又回到了沉浸式的探戈舞蹈场景。如此循环往复，直至舞蹈和会议都结束。

这是Galliano在2020年推出的时装影像《S.W.A.L.K. II》的画面截取。与2020年早先推出的时装影像《S.W.A.L.K.》以及2021年推出的《A Folk Horror Tale》类似，他运用了蒙太奇的手法，将时装秀组成的三个部份（头脑风暴、创作及试装、时装展示）融入同一个影片之中。

如果恰好你在影片首播的那段时间，是居家办公的状态，那面对这个画面不免会寻找到共鸣——它像极了居家办公时每一个人的状态，时而陷入互联网的幻想，时而又要回到工作现实。

《S.W.A.L.K.》《S.W.A.L.K. II》

在影像技术进步的帮助下，蒙太奇、视频会议录制、沉浸式舞蹈记录，得以发挥它们最大的作用。Galliano在场景切换之间，为我们呈现了一种现实生活的状态。他刻意没有让影像变得沉浸，利用布莱希特的“陌生化“手法（distancing effect）让我们感受到有别于那一时期沉浸式时装影像的体验。

Galliano之后，Maison Margiela迎来了Glenn Martens。这位与Martin同为比利时人的设计师，似乎捡起了Martin的创作哲学，但又有些不一样了。

在一个演奏厅里，音乐制作人Max Richter与一群小朋友开始了一场独特的演奏会。这群来自法国青少年校园乐队的小小演奏家们，在音乐会上并没有循规蹈矩，他们时而玩弄手上的乐器，时而在场馆里打闹奔跑。但种种即兴的反应，又在最后变成了Max Richter的创作灵感。

这支名为《JOY》的影片，是Martens在Maison Margiela 2026 CO-ED春夏系列上呈现概念的延伸。通过小演奏家们的即兴反应，他传递了一种自由的乐趣。

这样即兴的创作也让人想起了Martin在早期呈现时装秀时，会刻意让模特们未经排练就走上秀场。只不过在Martens的创意视角下，这种即兴变成了可被观测和记录的表达。

通过将即兴记录下来，Martens让偶发的、难以复制的即兴体验可以传播给更多的人。观众们不需要从中寻找到某种意义，光是感受即兴的魅力便已足够。

《JOY》

回过头来看，从Martin Margiela到John Galliano再到Glenn Martens，Maison Margiela的影像随着影像技术进步和社交媒体的兴起而发生着变化。

Martin碎片化的创作方式，在赋予每一个观看者自由解读空间的同时，也“保护”了现场观众的独特体验。无论是在现场还是在屏幕后，每个人都有自己版本的Maison Margiela时装秀，每个人也都可以总结出自己的理念。

上：Martin时期的Maison Margiela

下： John Galliano时期的Maison Margiela

Galliano通过他的戏剧蒙太奇，在时装影像愈发沉浸的2020年拉我们回到现实。居家办公期间，我们总是会在工作时走神，也总是会在视频会议的时候寻找一些可以消磨时光的东西。通过在不同场景间的切换，我们也可以在蒙太奇中找到自己侧重关注的故事。

Martens则关注即兴，他想把难以复制的瞬间记录下来，让观众们都能够体会到即兴的乐趣。尽管这样，时装秀本身的神秘光环不再——但对于现在的时装秀来说，神秘本来就是一件难以实现的事情——但欢乐的情绪不再只是一小群人所有的，而是能够带来普世的效果。

《JOY》

或许Martin在构建Maison Margiela的影像语言时，并没有料到未来的时尚行业会变成如今这样。他也可能并没有料想到，他离开后的Maison Margiela，同样经历了影像风格的变化。

但也许，Martin的某种精神，并没有因为时代的更迭而在Maison Margiela时装屋里消失。至于是什么样的精神，或许每个人在看完Maison Margiela这部影片之后，会有自己的答案。

来源：深度剖析者