摘要：大家好，我是小锐，今天来聊聊电影圈明显的变化，曾经稳坐票房宝座的资深导演，如今不少作品都栽了跟头，反倒是一批没多少名气的新导演，用作品一次次戳中观众。

文|锐枢万象

编辑|锐枢万象

大家好，我是小锐，今天来聊聊电影圈明显的变化，曾经稳坐票房宝座的资深导演，如今不少作品都栽了跟头，反倒是一批没多少名气的新导演，用作品一次次戳中观众。

为啥观众不再为老导演的资历买单？新导演又凭啥接住这根接力棒？

今年电影市场的分水岭格外清晰，资历光环失效成了最扎眼的事实，封神第二部、红海行动这些带着大IP和资深导演标签的大制作，上映前被捧得很高，结果票房全没达到预期。

不是制作不够精良，也不是宣传没到位，核心问题出在观众身上，现在的观众早不吃“资深”那套了，他们进影院要的是能戳中自己的东西，是共鸣，不是导演的履历。

和这些大制作的遇冷形成反差的，是新导演们的集体爆发。暑期档的捕风追影，国庆档的毕正明的证明震耳欲聋，没有大咖导演背书，却靠着扎实的故事和鲜活的表达，成了票房黑马。

这些作品未必有宏大的场面，但胜在懂当下的观众，知道年轻人焦虑什么，中年人牵挂什么，用贴近生活的叙事，把情感传递到观众心里。这就是现在电影市场的新规则，谁懂观众，谁就掌握票房。

大麦娱乐总裁李捷说过一个特别现实的情况，很多观众判断要不要看一部电影，只需要100字的简介。你可能花五年打磨剧本，砸几千万拍摄，但如果这100字没能让观众找到“和我有关”的点，他们转身就走。

这就是100字定生死的残酷现实，也恰恰说明观众的消费越来越理性，不再被“资深”“大制作”这些标签绑架。

曾经，导演的资历就像票房保险，观众愿意为积累的口碑付费，但现在时代变了，社会节奏加快，观众的审美和价值观也在迭代。

那些脱离当下生活的叙事、陈旧的价值观，自然无法引发共鸣，观众的票仓转向，本质上是电影市场的一次自我更新，用共鸣筛选作品，而不是用资历。

观众的票仓转向，让一批带着新鲜想法的新导演站到了台前，但这条路，并没那么好走。

尤其那些在海外一流电影院校学成归来的年轻人，他们带着国际前沿的叙事方法、高标准的技术认知，还有全球化的产业视野，满心都是大展拳脚的热情，却往往刚回国就撞上水土不服的墙。

最大的难题，是如何把学到的国际语言，转化为国内观众能听懂的表达。他们习惯了海外的创作语境，拍出来的故事可能充满异域场景和陌生体验，很难让国内观众代入。

就像李捷提到的那位年轻导演，故事背景设定在纽约，核心矛盾围绕非洲公益展开，这些元素对国内观众来说太遥远，自然无法引发共鸣。

这不是技术或美学的问题，而是创作意识的问题，到底该拍什么样的电影？电影学者焦雄屏看得很透彻，她觉得海外归来的导演，不是不能用国际上的创作技巧，而是要让这些技巧服务于本土情感。

她举了杨德昌的例子，当年杨德昌把新的布光理念带到团队，却遭到抵制，后来才慢慢找到和本土工业习惯对接的方式。这说明，融合不是照搬，而是找到本土表达的密码。

李安的路径或许是最好的参考，他擅长用西方的叙事结构，讲中国的故事，故事里藏着的是中国人的家庭情感和人生困境。

这种创作方式，既保留了国际视野带来的新鲜感，又扎根于本土的文化土壤，自然能跨越文化差异，打动观众，李安的聪明之处，在于让技术为情感服务，而不是让技术盖过情感。

知名编剧李媛给新导演提了个务实的建议，前两部作品别着急做原创，一开始就拍过于个人化的故事，很容易和观众产生距离。

不如先从改编本土IP或者接委托项目入手，在这个过程中摸清国内观众的情感节奏和叙事习惯，等找准了方向，再把自己的风格加进去。

海纳计划的青年导演傅尚斌，从经济学跨界进入电影行业，他的体会是，导演最核心的能力，是对人生的感悟和对共鸣的敏感度。

不管技术多精湛，背景多多元，最终都要落到理解人、理解时代上。这种对生活的洞察力，才是连接观众的核心桥梁。海外归来的导演，只要能放下固有的创作惯性，沉下心观察当下的生活，就能把优势转化为竞争力。

电影从来不是一个人的事业，新导演的成长，既要靠自己的才华和清醒的创作意识，更需要产业托底。

没有系统性的支持，再优秀的苗子，也可能在复杂的工业体系里迷失，或者在第一次市场碰壁后就沉寂下去。现在的电影产业，最需要做的，是搭建一套能托举新生力量的培养体系。

首先要明确的，是监制的角色定位，现在行业里的监制，很多时候只是个荣誉头衔，并没有真正发挥作用。

真正的监制是项目的总工程师，要负责找资金、搭团队，还要管后期的行销和发行，从项目启动到推向市场，全程保驾护航。对新导演来说，一位靠谱的监制，能帮他们避开创作和市场的双重风险，在关键节点稳住方向。

其次，人才培养的方向要从细分转向复合型人才，作为好莱坞人才的摇篮，南加大的学生入学后不会马上分专业，而是先接受全面的电影制作训练，从编剧、导演到制片、剪辑，每个环节都要学。

到了高年级，再根据兴趣选择细分方向，这种先通后专的模式，有两个明显优势，一是不管将来做哪个工种，都懂其他环节的逻辑，部门之间不会因为沟通不畅拖慢进度。

二是容易培养出跨界人才，一个创作者既能当编剧，也能做制片，适应产业的能力更强，在AI技术不断渗透的今天，这种融通的能力更重要，能让创作者在技术变革中保持竞争力。

最后，体系化扶持平台必不可少，海纳国际青年导演发展计划就是这样的平台，它不是简单地给资金，而是提供一套完整的成长阶梯。

比如开放IP库，让新导演不用从零开始找故事，降低创作门槛，安排他们进入头部项目当B组导演，积累实战经验和行业信用，通过创投评审，为优质项目对接资源，帮作品从剧本变成银幕上的成品。

这种精准扶持对海外归来的导演格外重要。他们回国后缺资源、缺人脉，独自摸索的试错成本太高，而平台能帮他们打通这些环节，让他们专注于创作。产业的支持，就像给新导演的翅膀，能让他们的才华飞得更高、更远。

第七届海南岛国际电影节上，海纳计划的圆桌对话聚焦海外青年导演的市场路径，这个话题能引发热议，恰恰说明行业对新导演的关注，已经从“要不要扶持”变成了“怎么扶持”。海纳计划的实践，或许能给出答案。

这个计划最核心的价值，是搭建了创作与市场的桥梁，很多新导演有好想法，但不知道怎么落地，不知道怎么对接资源，海纳计划就做中间的连接器。

海纳计划的扶持不是“一刀切”，而是根据导演的特点精准发力，对技术能力强但叙事经验不足的导演，就安排他们跟组学习，积累叙事技巧，对有原创能力但缺资源的导演，就帮他们对接投资和团队。

这种个性化扶持，能让每个导演的优势都得到发挥，计划的目标很明确，就是培养像曾国祥、许宏宇这样的商业片导演，既有自己的表达，又能让观众产生共鸣，用精湛的叙事赢得市场。

这和现在电影市场的需求不谋而合，观众需要的不是曲高和寡的艺术片，也不是没有灵魂的商业片，而是能在情感上产生深度连接的作品。

新导演的崛起，不是对资深导演的否定，而是电影行业的新陈代谢。资深导演有他们的积累和成就，但电影需要新鲜血液来激活活力。

来源：小张做梦都想赢一点号