摘要：这款设备是MarkVICinemobile摄影车，被称作“车轮上的工作室”，本是为提升拍摄效率准备的。

1972年《教父》影像捕捉期间，一款全新设备的登场闹出了小插曲。

这款设备是MarkVICinemobile摄影车，被称作“车轮上的工作室”，本是为提升拍摄效率准备的。

最初，派拉蒙为这款摄影车两侧喷涂“教父”字样，想借此强化标识。

可没料到，醒目的字样吸引了大量路人围观，严重干扰了拍摄进程，无奈之下，工作人员只能将这些字样涂覆掉。

这款摄影车的首秀虽有波折，但后续证明，它的装载能力远超传统设备，能容纳比8到10辆普通卡车更多的器材，为后续拍摄提供了坚实硬件支持。

从摄影车的小插曲延伸开，就能理解摄影指导戈登・威利斯的创作认知，威利斯始终强调“观察你正在看到的东西，保留事物原有的特质”。

当时好莱坞摄影行业里，多数从业者习惯找到取景地后，用摄影机重新构建场景。

本来想，这种做法能让画面更“完美”，但后来发现，威利斯反其道而行之的思路更适合《教父》。

威利斯接拍《教父》时，最初考虑过复杂的摄影方式，可和导演弗朗西斯・科波拉沟通后，两人达成共识：

年代片该用简洁方法，过度技术干预会破坏时代质感。

在1970年代多数摄影师追求“影像无损平滑”的大环境下，威利斯这种“反主流”理念挺冒险，但也正是这种理念，让《教父》的年代感更真实。

他过往拍的影片也遵循这一认知，虽切入角度相似，却没有一部风格重复，这足以说明其理念的可行性。

《教父》的拍摄覆盖纽约、西西里、好莱坞、拉斯维加斯，不同地域的场景，威利斯设计了差异化视觉风格。

纽约场景以褐色与黑色为主调，画面“悬留在观众可见与不可见的边缘”，透着“衰弱、松垮”的质感。

如此看来，这种风格和纽约黑帮故事的沉重氛围完全契合，能让观众直观感受到故事的压抑感。

好莱坞场景则完全不同，走的是干净、清晰的路线，带着西海岸“明亮、硬朗”的特质。

很显然，这种视觉差异是为了凸显地域文化和故事语境的转变，让观众能快速跟上剧情的空间跳转。

西西里场景虽延续了纽约的褐色基调，却更光滑，还融入了橄榄色，营造出“舒适温暖、阳光充足”的感觉。

毫无疑问，这是为了体现故乡的安宁，与纽约的压抑形成情感对冲，让故事的情感层次更丰富。

为实现这些视觉风格，威利斯在技术上做了不少调整，他选用非“重厚型”的底片，以ASA250的感光度拍摄。

伊士曼彩色底片建议的室内感光度是ASA100，室外是ASA64，这样算下来，理论上会有半级曝光不足，实际因胶片特性，不足程度还会更多。

本来想，这种曝光方式可能会让画面质量受影响，但威利斯此前拍《地主》《爱的叛逆》时，就尝试过将伊士曼彩色底片感光度设为ASA200，验证过低曝光能提升画面质感。

他还和特艺七彩公司合作，拍摄前就发送素材，要求多方案染印、翻印，最后确定专属模片，确保全片洗印风格统一。

这种定制化合作在当时不算常见，也让《教父》的影像有了专属特质。

MarkVICinemobile摄影车的应用，不仅服务了《教父》拍摄，还推动了行业设备升级，车顶有栏杆区域，能放置200英尺的Elemack移动轨道。

Elemack移动轨道是1970年代主流轨道，轻便且稳定，之前需要单独运输，现在和摄影车结合，大幅缩短了设备布置时间。

威利斯还根据自己的需求，放弃了行业常用的弧光灯，在摄影车里放置更符合自己风格的灯具。

他和摄影车制造商福阿得・赛德合作时，赛德也善于倾听建议，将威利斯的想法融入设备改进。

如此看来，这款摄影车的应用，体现了“设备服务创作”的逻辑，后来，它还被用于《星球大战》等影片拍摄，推动好莱坞外景拍摄设备走向现代化。

即便到现在，技术快速迭代，《教父》摄影创作中“技术服务故事、设备适配需求”的理念，仍对电影人有启示意义。

它告诉我们，不管技术多先进，创作的本质永远是为故事服务，这或许就是《教父》摄影创作能长久影响行业的原因。

来源：念寒尘缘