摘要：这部由斯坦利·多南与吉恩·凯利联合执导的音乐剧，上映之初口碑就不及同期的《一个美国人在巴黎》。

1952年，《雨中曲》在好莱坞正式公映。

这部由斯坦利·多南与吉恩·凯利联合执导的音乐剧，上映之初口碑就不及同期的《一个美国人在巴黎》。

后者斩获了当届奥斯卡最佳影片，而《雨中曲》仅获得两项提名，最终颗粒无收。

要是放在当时，没人会想到它后来能逆袭。

如今七十多年过去，《雨中曲》稳居影史TOP4，还被奉为歌舞片的标杆。

它的经典从不是偶然，每一处细节都藏着用心。

这部片子的主角，是无声电影明星唐·洛克伍德，由吉恩·凯利本人饰演。

他搭档莉娜·拉蒙特，两人在银幕上是人人羡慕的金童玉女。

可银幕之下，莉娜虚荣又滑稽，嗓音还难听至极，像指甲刮过黑板。

影片里还藏着一个新人，凯西·塞尔登，由19岁的黛比·雷诺兹饰演。

她坚韧又纯粹，有着一副好嗓子，也有着不服输的韧劲。

三人的情感纠葛，串联起了整部片子的主线。

而这条主线背后，讲的其实是好莱坞最动荡的一个时期，无声电影向有声电影转型的阵痛。

这段转型期的艰难，影片没有刻意夸大，但也没有丝毫回避。

有声电影刚出现时，整个好莱坞都陷入了混乱。

摄像机被放进隔音棚，拍摄起来十分不便。

麦克风也得藏在各种地方，一不小心就会穿帮，

这些细节，都是当时真实的行业现状。

最尴尬的还要数那些无声电影明星，他们靠脸和肢体动作出圈，嗓音却大多不堪入耳。

预览观众听到他们的声音时，常常会哄堂大笑。

原文里提到的约翰·吉尔伯特，就是最典型的例子。

他是葛丽泰·嘉宝的搭档，无声时代红极一时，可有声电影出现后，他的事业一落千丈。

莉娜·拉蒙特这个角色，其实就是这类明星的艺术缩影。

她总觉得自己高人一等，还坚信自己和唐是真的相爱，因为她在粉丝杂志上看到过。

她还说过一句特别滑稽的话，说自己赚的钱，比柯立芝加起来还多。

每次看到这段，我都觉得又好笑又心酸。

好笑的是她的无知与虚荣，心酸的是，她不过是时代变革中被淘汰的牺牲品。

行业要进步，总会有人被留在原地，这大概就是现实的残酷吧。

影片的剧情推进很流畅，没有多余的铺垫。

开篇就用一场电影首映式，引出了主要角色，也展现了无声电影明星的光环与幕后真相。

唐看起来光鲜亮丽，可背后付出的努力，很少有人知道。

他不是天生的明星，靠的是日复一日的打磨，才有了后来的成就。

中间的剧情，围绕着有声电影的拍摄展开。

莉娜的嗓音问题成了最大的难题，无奈之下，剧组只能让凯西为她配音。

这个桥段，既充满了戏剧张力，也真实反映了当时的行业困境。

很多无声电影明星，都因为类似的问题，逐渐淡出了观众的视野。

影片的结尾很圆满，舞台上的真相被揭穿，莉娜的伪装被撕破，凯西则凭借自己的才华，收获了属于自己的掌声与爱情。

有人说这个结尾太理想化，不符合现实。

但在我看来，这样的结尾，反而给了那些努力的人一丝希望，也歌颂了真诚与才华的胜利。

《雨中曲》能成为经典，最出圈的无疑是里面的歌舞片段。

但很多人不知道，这些看似轻松欢快的片段，背后藏着主创们无数的付出。

最经典的，当属吉恩·凯利的雨中独舞。

这段舞蹈被英国电影学院专家彼得·沃伦，称为银幕上最难忘的舞蹈片段。

拍摄这段舞蹈时，吉恩·凯利正发着高烧，体温高达39度多。

按理说，他应该好好休息，可他却坚持完成了拍摄。

雨水打在他的身上，他却毫不在意，随性地起舞，每一个动作都充满了感染力。

那种陷入爱情的狂喜，被他演绎得淋漓尽致。

每次看到这段舞蹈，我都忍不住感慨，这才是真正的艺术家。

为了呈现最好的效果，哪怕身体不适，也绝不敷衍。

吉恩·凯利不仅是主演，还是影片的舞蹈指导。

他的舞蹈风格很有特点，和弗雷德·阿斯泰尔的优雅不同，他的舞蹈更具力量感与杂技感。

他喜欢从生活中汲取灵感，这段雨中独舞，他就巧妙地运用了雨伞、路灯等道具，让舞蹈更具生活化，也更有感染力。

除了这段独舞，唐纳德·奥康纳的《Make ’em Laugh》也同样惊艳。

这段舞蹈难度极大，充满了夸张的杂技动作。

他和假人对打，爬上墙壁做后空翻，把自己当成 rag doll 一样扔来扔去，还故意撞墙、撞木板，甚至冲破背景板。

这些动作看起来滑稽可笑，可背后的难度可想而知。

全程用长镜头拍摄，没有任何剪辑，更能凸显他扎实的舞蹈功底。

据说拍摄这段舞蹈时，唐纳德·奥康纳因为高强度的动作，身体受到了损伤。

可他从来没有抱怨过，依旧认真完成每一个镜头。

本来以为这段舞蹈只是为了搞笑，后来发现，它不仅展现了科斯莫的喜剧天赋，也从侧面缓解了影片中行业转型的沉重氛围。

19岁的黛比·雷诺兹，作为新人，压力可想而知。

她要跟上吉恩·凯利和唐纳德·奥康纳两位资深舞者的节奏，并不是一件容易的事。

为了能更好地完成舞蹈动作，她进行了无休止的排练。

有时候练到深夜，累得连路都走不动，可她第二天依旧准时出现在片场。

三人合作的《Good Morning》，就很能体现她的努力。

镜头里，她迈着大步，眼神坚定，丝毫看不出是一个新人。

这段舞蹈的场景很生活化，就在唐的家里，客厅、厨房都成了他们的舞台。

整齐的舞步，轻松欢快的氛围，让人看了心情都变好。

这部影片每一段歌舞，都和剧情、角色的情感深度绑定，推动着剧情的发展。

《Singin’ in the Rain》呼应了唐与凯西的爱情升温，《Moses Supposes》贴合了角色学习发声的剧情。

这样的设计，既展现了歌舞的魅力，也让剧情更加丰满。

还有一点很特别，这部影片的多数歌曲，都不是原创的。

它们是米高梅从库存中筛选出来的经典曲目，只有《Moses Supposes》是为影片量身创作的。

一开始我还觉得，用旧歌可能会影响影片的效果。

但后来发现，这些旧歌大多来自无声转有声时期，和影片的主题完美契合，反而增添了几分时代感。

这种“旧曲新用”的创作方式，不得不说很巧妙。

既解决了歌曲的适配问题，也赋予了影片更深刻的行业意义，后来也成了好莱坞音乐剧的经典思路。

我一开始看《雨中曲》，只是觉得它的歌舞很好看，是一部轻松欢快的音乐剧。

可刷的次数多了才发现，它讲的远不止歌舞那么简单。

这部影片，其实是一部披着歌舞外衣的行业纪录片。

它用幽默的方式，调侃了好莱坞的行业生态，也揭露了很多不为人知的真相。

影片的创作初衷，其实很简单。

制片人阿瑟·弗里德与编剧贝蒂·康登、阿道夫·格林，受命利用米高梅的库存歌曲创作一部影片。

他们偶然发现，这些歌曲大多来自无声电影向有声电影转型的时期。

于是，他们决定以“有声电影的诞生”为主题，打造这部影片。

这个决定，无疑是明智的。

它不仅让这些旧歌重新焕发了生机，也让影片有了更深刻的内涵，区别于其他单纯的歌舞片。

影片中，对好莱坞制片厂的调侃，也很有看点。

制片厂为了热度，故意制造明星之间的绯闻，编造虚假的爱情故事，吸引观众的关注。

唐和莉娜的“荧幕情侣”身份，就是制片厂刻意打造的。

两人私下里毫无感情，甚至互相看不惯，可在镜头前，却要装作十分恩爱的样子。

这种虚假的包装，在当时的好莱坞十分普遍。

明星们看似光鲜亮丽，实则没有太多的自由，一举一动都要受到制片厂的控制。

琼·哈根饰演的莉娜，虽然是一个反面角色，但她的遭遇，也让人十分唏嘘。

她本身有着不错的嗓音，可制片厂却让她一直扮演“傻白甜”的角色。

为了迎合观众的喜好，她只能刻意装出虚荣、无知的样子。

也正是因为这个角色，她获得了奥斯卡最佳女配角的提名，可惜最终没有获奖。

说到奥斯卡，就不得不提《雨中曲》的奖项争议。

这部影片上映时，获得了两项提名，却最终颗粒无收。

同期的《一个美国人在巴黎》，斩获了最佳影片等多项大奖。

当时很多人都觉得，《雨中曲》被低估了，如今看来，确实如此。

岁月终究证明了《雨中曲》的价值，它位列美国电影学院百大经典影片第十名，在《视与听》杂志的影史最佳影片评选中，更是排名第四。

这样的成绩，足以说明一切。

奖项或许能证明一部影片的热度，但真正能让影片跨越时代、被观众铭记的，还是它本身的价值。

这部影片的两位导演，也很有传奇色彩。

斯坦利·多南执导这部影片时，年仅28岁。

他17岁就进入了电影行业，担任吉恩·凯利的助手。

两人此前还合作过《锦城春色》，当时斯坦利·多南只有25岁。

后续他还执导了《甜姐儿》《七对佳偶》等经典音乐剧，1998年获得了奥斯卡终身成就奖。

吉恩·凯利就更不用说了，他是好莱坞歌舞片的标志性人物。

他的舞蹈设计理念，从生活中汲取灵感，为后续的音乐剧舞蹈提供了很多借鉴。

毫不夸张地说，《雨中曲》的成功，离不开两位导演的默契配合，也离不开每一位主创的努力付出。

正是因为有了他们，这部影片才能成为经典。

这部影片对后世的影响，也十分深远。

它的叙事模式、歌舞编排，影响了后续很多音乐剧电影，比如《芝加哥》《爱乐之城》等。

很多艺人，也都曾致敬过影片中的经典歌舞片段。

它里面对好莱坞行业生态的调侃与反思，也为后世的影视行业题材作品，提供了很多参考。

如今，七十多年过去了，音乐剧电影逐渐式微。

可《雨中曲》依旧能被观众喜爱，依旧能打动每一个看过它的人。

在我看来，这就是经典的力量。

它既能贴合时代背景，反映当时的行业真相，也能跨越时代鸿沟，传递出永恒的温暖与力量。

《雨中曲》告诉我们，真诚与才华，永远不会被埋没。

无论行业如何变革，无论时代如何发展，那些用心付出的人，那些有价值的作品，终究会被铭记。

它不仅仅是一部歌舞片，更是一部关于梦想、关于努力、关于时代变革的作品，

这大概就是它，能跨越七十多年依旧不过时的真正原因。

来源：财如是一点号