摘要：荧幕下，通常有钢琴家或小型乐队演奏。即掩盖了放映机的嘎嘎声，也引导着观众的情绪。那时，音乐们通常即兴演奏，或改编经典的古典音乐曲目。

从无声时代到音效大片，电影音乐经历了翻天覆地的变化。起初，配乐的作用更多是为了掩盖放映机的噪音。

而约翰·威廉姆斯和汉斯·季默这样的作曲家重新塑造了我们的观影体验。

最初，电影是无声的，但电影院里从未真正安静过。

荧幕下，通常有钢琴家或小型乐队演奏。即掩盖了放映机的嘎嘎声，也引导着观众的情绪。那时，音乐们通常即兴演奏，或改编经典的古典音乐曲目。

1927年第一部有声电影的出现——《爵士歌手》。从此音乐成为电影不可或缺的一部分。它不再仅仅是画面的陪衬，也开始讲述故事，电影音乐的发展史也由此开启。

二十世纪30年代的好莱坞就像一台造梦的机器。

包括华纳、米高梅和环球影业在内的八大电影公司，如同流水线般制作电影。每个公司都有自己的“音乐部门”，庞大的部门里配备了编曲、作曲、管弦乐队、指挥家和独奏家。

有时，一部配乐甚至会由四位作曲家同时创作。很多经典的电影音效正是在这时诞生。

常被称为“电影音乐之父”的马克斯·斯坦纳于1933年为《金刚》创作的配乐，完美地演绎了后来著名的“米老鼠”技巧——音乐精准地配合着每一个动作。

他的原则是：所见即所听。

作曲家埃里希·沃尔夫冈·科恩戈尔德自幼深得理查·施特劳斯、马勒、普契尼的赏识被称为“维也纳最后的神童”。

1933年，希特勒掌权，纳粹主义的影响扩及各领域，致使许多欧洲音乐家纷纷逃至美国，科恩戈尔德便是其中一员。1934年，科恩戈尔德前往好莱坞发展，开启了他长达十年的电影配乐写作之路，

他的到来，为好莱坞带来了华丽的浪漫主义歌剧风情，开启了银幕音乐的先河。

他为《罗宾汉》（1938年）和《海鹰》（1940年）等冒险故事注入了歌剧般的力量。将电影场景提升为充满戏剧性的歌剧。而后，米克洛什·罗莎创作了历史上最具史诗感的配乐之一《宾虚》（1959年），将古典音乐形式与匈牙利民间音乐和现代和声融为一体。

在这个影视工业的黄金时代，很多职业音乐家离开舞台进入录音室。他们可以获得高薪合同和带薪假期。贝斯手迈克·鲁宾回忆，那时的音乐家仅靠工资就能可以买得起一个游泳池和一辆新车。

但到了50年代末，这个时代结束了。制片厂关闭了音乐部门，作曲家们也成为了自由职业者。

二十世纪50-60年代，世界发生了翻天覆地的变化——音乐方面亦是如此。爵士乐进入电影，不再只是背景音乐，而是叙事手段。

1958年，迈尔斯·戴维斯为电影《通往绞刑架的电梯》创作了现场音乐。他的演奏成为美国大萧条时期黑色电影的声学象征。

1952年的《正午》凭借《亲爱的，别抛弃我》这是第一首既叙述电影情节又登上电台榜单的热门歌曲。

1967年的电影《毕业生》中，Simon & Garfunkel的歌曲《寂静之声》成为永恒的经典。好莱坞意识到单曲的传播力量。制片厂开始专门委托创作歌曲。音乐不仅成为了一种戏剧工具，也成为了一种营销手段。

当许多电影都依赖流行音乐时，有一位作曲家却反其道而行之，彻底革新了大片电影。

约翰·威廉姆斯在1977年的《星球大战》中重新启用完整的管弦乐，并且以歌剧式的主导动机创作电影音乐——充满英雄气概、情感丰富、令人难忘。

他为卢克·天行者、莱娅公主和达斯·维达等角色创作的主题已成为音乐的典范，此后在《ET外星人》《侏罗纪公园》和《夺宝奇兵》等影片的情感叙事结构方面发挥了关键作用。

他的音乐并非附属品，而是画面的情感支柱。

二十世纪90年代，科技日益占据主导地位。电子音乐先驱汉斯·季默凭借《角斗士》和《盗梦空间》开创了一种全新的声音语言：电子织体、数字管弦乐和脉动的节奏。

其中尤为引人注目的是所谓的“Braaam”——以一种强劲、低沉的和弦冲击听觉，震撼人心。

它象征着威胁、宏伟和终结，并已成为现代动作片和科幻片的标志。季默的制作团队“Remote Control Productions”取代了旧有的工作室系统：他们以模块化的方式协同创作配乐——灵活、快速，并拥有各自的风格。

来源：city电影站